ИСКУССТВО И МУЗЫКА В СОЕДИНЕННЫХ ШТАТАХ

Размещено на веб сайте 29 января 2003

Дэвид Годди

Искусство Америки развивалось совсем в других условиях, нежели искусство других стран. В Новом Свете не существовало традиционного общества, которое в течение столетий оставляло бы свой отпечаток на развитии страны и ее населения. Соединенные Штаты начинались как группа колоний; их население притекало из разных уголков мира со своими привычками и традициями. Все эти привычки и традиции, соответствующие потребностям общества у них на родине, нужно было приспосабливать к жизни в чужой среде, среди множества трудностей. Официальная «американская» культура, основанная на этих измененных традициях, свойственных разным уголкам земли, но, тем не менее, отличавшаяся от них, стала расти и развиваться только после того, как было создано независимое государство — Соединенные Штаты Америки.

Первые американские лидеры рассматривали развитие искусства как признак успехов и зрелости нового государства, признак, который с течением времени должен становиться все более явным. «Я должен изучать политику и военное дело, чтобы мои сыновья обрели свободу изучать математику и философию, — писал в 1780 году Джон Адаме, второй Президент США. — Мои сыновья должны изучать математику и философию, географию и общественную историю, кораблестроение и навигацию, коммерцию и сельское хозяйство, для того чтобы дать своим детям право изучать живопись, поэзию, музыку, архитектуру, искусство ваяния, создания гобеленов и изготовления фарфора».

ЭВОЛЮЦИЯ ИСКУССТВ

Хотя идеалы Адамса относительно развития традиций искусства могли осуществиться только приблизительно, в музыке и искусстве в Соединенных Штатах действительно возникла живая, полная сил творческая традиция. На протяжении многих лет для нее был характерен конфликт между двумя сильными источниками вдохновения — доморощенное, иногда примитивное творчество и европейская искушенность. Как правило, лучшими американскими художниками становились те, кому удавалось слить воедино оба источника и создать свои собственные, оригинальные произведения.

Однако точно так же, как в Америке не существует единой этнической культурной группы, в искусстве не существует специфического, безошибочно узнаваемого «американского» стиля. Существует скорее смесь различных стилей, отражающих реальное положение вещей в американском обществе. Тем не менее полезно сделать некоторые обобщения, с помощью которых можно было бы попытаться определить, что же является в искусстве Америки чисто «американским». Традиционно американское искусство создается с минимальной прямой поддержкой правительства и контроля с его стороны. Точно так же оно и используется. Именно отсутствие опоры на финансовую поддержку правительства и является одной из специфических отличительных черт американской культуры. Чтобы существовать и расширяться, музеям, картинным галереям, симфоническим оркестрам, камерным ансамблям и театрам приходится опираться на благотворительную помощь частных лиц, пожертвования университетов и продажу входных билетов. Американское искусство, лишенное правительственных субсидий, которым традиционно пользуется искусство в других странах, всегда было связано с американской промышленностью и торговлей.

Однако именно такое сотрудничество способствовало развитию в американской культуре творческого экспериментаторства и изобретательности. Вероятно, эти тенденции наилучшим образом можно проследить в творческом развитии киноиндустрии, а также в том влиянии, которое оказала американская популярная музыка на музыку и танцы народов всего мира. Эти тенденции видны также в развитии местных театров и балетных трупп, в том, что в галереях демонстрируются работы местных художников, в том, что по всей Америке набирает силу ранее мало известные симфонические оркестры. Культура Америки расцветает, по-видимому, именно в результате ее независимости от субсидий и контроля со стороны правительства.

Искусство в Америке развивается быстрыми темпами, особенно в последние 20 лет. Одним из направлений этого развития является расширение роли университетов как центров, где создаются и исполняются произведения искусства. Чтобы удовлетворить растущие требования студентов по усилению подготовки в области искусств, в состав преподавателей университетов включают активно работающих композиторов, художников и других творческих работников. В свою очередь, университеты переносят свою культурную деятельность за пределы традиционных центров — таких как Нью-Йорк и Чикаго — в другие города и районы по всей стране. Более квалифицированная подготовка привела к появлению серьезных самодеятельных художников. Примерно 53 миллиона американцев играют на музыкальных инструментах. Еще 50 миллионов в свободное время занимаются живописью или рисуют. Ряды непрофессиональных писателей, поэтов, фотографов и танцоров не менее многочисленны.

Еще одним серьезным достижением, по контрасту со сложившимися традициями, является постепенное, но неуклонно растущее увеличение роли федерального правительства и правительств штатов в поддержке развития искусств, а особенно в области дотаций для культурных учреждений. Расходы Национального фонда искусств, правительственного учреждения, созданного в 1965 году, дошли в 1985 году до 163 миллионов долларов. Этой цифры почти что достигли и государственные культурные учреждения, которые затратили в том же году 160 миллионов долларов. Тем не менее затраты государства на искусство малы по сравнению с теми четырьмя миллиардами долларов, которые в 1985 году дали на развитие искусств частные пожертвования. Однако не следует забывать, что определенный процент от частных пожертвований на искусство освобождается от налогов, которые жертвователи не вносят в таком случае в бюджет государства. Таким образом государство оказывает поддержку развитию искусств, не нарушая традиций независимости искусства от государственного контроля и прямой поддержки из частных источников.

Общественная поддержка искусства еще никогда не была такой интенсивной. Согласно данным последнего опроса общественного мнения, свыше 90 процентов американцев считают, что «искусство улучшает жизнь города», повышает качество жизни и является одним из важных аспектов бизнеса и экономики городов, где они живут. Эти цифры показывают, что искусство принадлежит не элите, но находится в центральном русле жизни всех американцев.

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО

В первые годы после второй мировой войны в Нью-Йорке появилась группа молодых художников, которые вознамерились круто преобразовать цели и методы искусства. Их движение, получившее известность как «абстрактный экспрессионизм», стало первым направлением в искусстве Америки, оказавшим серьезное влияние на иностранных художников. К началу 1950-х годов Нью-Йорк был центром мирового искусства.

В своем бунте против традиционных графических стилей абстрактные экспрессионисты пошли дальше, чем в свое время европейские художники. Среди лидеров этого движения были Джэксон Поллок (1922-1956) и Уиллем де Коонинг (р. 1904 г.). Эти молодые художники отказались от формальной композиции. Вместо этого они подчеркивали пространство и движение и опирались на свои инстинкты и на физический аспект живописи.

«Мне кажется, новые задачи требуют и новой техники, и современный художник обрел новые способы и новые средства, чтобы выразить себя, — писал Поллок в 1950 году. — По-моему, современный художник не может выражать предметы своего времени — самолет, атомную бомбу, радио — в старых формах эпохи Ренессанса или какой-либо иной культуры прошлого. У каждого века должна быть своя собственная техника».

Во все эпохи американские художники стремились выразить свое время. История американского искусства являет собой изменяющуюся картину меняющихся представлений американцев о самих себе. Однако до начала 20 столетия искусство Америки развивалось главным образом посредством тематики и совершенствования мастерства. Новаторство и шедевры западного искусства были в основном европейскими достижениями.

В колониальный период и в первые годы становления нового государства художественное творчество находило выражение в производстве полезных предметов, находящих применение в повседневной жизни, таких как простая элегантная мебель или цветные стеганые лоскутные одеяла. Для вечно занятых практичных американцев портреты были единственным видом «изящного» искусства, который они считали необходимым. Большинство американских художников того времени были самоучками. Их работы обладали примитивным очарованием народного искусства — непосредственностью видения мира, проникновением в характер, ощущением цвета, линии, формы.

В годы, предшествовавшие американской революции, некоторые из самых известных американских художников побывали в Европе. Кое-кто из них там процветал. Бенджамин Вест (1738-1820) стал придворным художником английского короля Георга III и в течение 28 лет выполнял функции президента Королевской академии. Но работы других художников, например, Джона Синглтона Копли (1738-1815), пожалуй, самого выдающегося портретиста колониальной Америки, казалось, теряли свою выразительность вдали от берегов Северной Америки.

Первая известная американская школа пейзажной живописи (Гудзонская школа) сложилась в 20-е годы 19 столетия. Освоение Запада принесло осознание гигантских просторов и девственной красоты континента. Под руководством Томаса Коула (1801-1848) художники Гудзонской школы научились сочетать великолепную технику с романтикой американского пейзажа. Их картины являли собой зрительные исследования света и красоты природы.

Эта традиция прямоты, простоты и ясности видения мира в конце 19 столетия вылилась в нечто совсем новое — натуралистическое изображение широкого спектра американской жизни. Природа Америки — моря, горы, населяющие ее люди — вот что было объектом изображения для Уинслоу Гомера (1836-1910).

Жизнь среднего горожанина в этот период нашла своего певца в лице Томаса Элкинза (1844-1916), бескомпромиссного реалиста, чьи честные, полные сострадания портреты уводили от романтического сентиментализма, столь излюбленного «приличным» обществом того времени.

В 20 столетии, как для европейцев, так и для американцев образом жизни стал конфликт. Подобно Европе после итальянских футуристов, начиная с 1900 года значительная часть американской живописи и скульптуры представляла собой сплошной протест против традиции. «К дьяволу художественные ценности», — провозгласил Роберт Генри (1865-1929). Генри был лидером школы, которую окрестили «мусорной» из-за того, что художники этой школы реалистично изображали обывательские стороны городской жизни, темы, знакомые по произведениям Джона Рескина, Томаса Карлейля и других.

Всего лишь несколько лет спустя художники «мусорной» школы были вытеснены движением европейских модернистов, представителями таких направлений, как кубизм и абстракционизм, получившими поддержку великого фотографа Альфреда Стиглица в его «Галерее 291» в Нью-Йорке. Но к 20-м годам 20 века у американских художников проснулось чувство национального патриотизма, которое побудило их заново открывать и изучать жизнь Америки. Художники-регионалисты, например, Томас Харт Бентон (1889-1975) и Грант Вуд (1891-1942) воспевали природу Среднего Запада. В то же время такие художники, как Эдвард Хоппер (1882-1967) по-новому использовали реалистический метод в изображении крупных и мелких городов.

Кризис 1930-х годов и растущее в мире напряжение разбудили романтическое искусство социального протеста, что вылилось в направлениях, по стилю аналогичных творчеству художников в СССР и стенных живописцев в Мексике. Повсюду художники в массах картин и росписях на стенах общественных зданий громоздили изобразительные атаки на социальные системы. Однако ни в одной другой стране не было такого количества художников, которые столь правдиво и с таким идеализмом разоблачали бы зло, которое они видели у себя на родине. И часто — буквально за счет своего правительства, ибо в то время тысячи художников получали от федерального правительства зарплату, что было результатом попытки правительства обеспечить занятость населения. Радикальному новаторству абстрактных экспрессионистов 40-х и 50-х годов не уступали и американские скульпторы. Героические образы прошлого были отброшены прочь ради открытых, живых форм. Использовались новые материалы, цвет. Александер Колдер (1898-1976) изобрел мобили. Дэвид Смит (1906-1965), первый скульптор, который работал с металлической сваркой, создал монументальный абстрактный стиль, оказавший серьезное влияние на других художников.

В конце 50-х и начале 60-х годов молодые художники выступили против абстрактного экспрессионизма, предложив работы, выполненные «смешанной» техникой. Эти художники — среди них Раушенберг (р. 1925 г.) и Джаспер Джонс (р. 1930 г.) использовали в своих картинах фотографии, газетные шрифты и выброшенные предметы. В начале 60-х годов появилось «поп»-искусство. Такие художники, как Энди Уорхол (р. 1930 г.) и Рой Лихтенштейн (р. 1923 г.) в сатирическом духе изображали обыденные предметы и образы популярной американской культуры — бутылки из-под кока-колы, консервные банки, пачки сигарет, комиксы. За «поп»-искусством последовало «оп»-искус-ство, основанное на принципах оптической иллюзии и оптического восприятия.

70-е и 80-е годы явились свидетелями взрыва форм, стилей, разнообразной техники. Художники больше уже не ограничивались работой в студии или даже созданием объектов. Произведение художника могло представлять собой либо пустую галерею, либо гигантский рисунок, начертанный в пустыне Запада. Это могла быть видеозапись какого-то события или письменный манифест. Эти различные виды искусств имеют различные названия: земное искусство, концептуальное искусство, исполнительское искусство. Тем не менее популярность, которую быстро завоевала в 80-х годах одна группа молодых художников, продемонстрировала, что изображение фигур на холсте по-прежнему вызывает у зрителей интерес. В этой группе, в состав которой входят Дэвид Сэлли и Сьюзен Ротенберг, работают новейшие звезды мирового искусства.

АРХИТЕКТУРА

Новые формы символизируют дух американского города гораздо выразительнее, чем небоскребы. Строительство первого небоскреба в Чикаго в 1884 году стало возможным благодаря созданию новой строительной техники и изобретению лифта. Создателем его был Уильям Ле Бэрон Дженни (1832-1907). Дженни решил использовать для строительства стальной каркас, представлявший собой внутреннюю опору, что означало, что внешние стены не должны более нести нагрузку множества этажей. По мере того как росла в городах стоимость земли, росли по высоте и здания.

Многие из самых изящных небоскребов начального периода созданы Луисом Салливеном (1856-1924), первым великим архитектором современной Америки. «Форма всегда следует за функцией», — учил Салли-вен, утверждая, что цель здания должна определять его внешний вид. Эта идея является одним из основных принципов современной архитектуры. Самым талантливым учеником Салливена был Ллойд Райт (1869-1959). Сейчас его считают самым оригинальным архитектором страны, оказавшим большое влияние на современную архитектуру, но при жизни ему редко удавалось получать крупные заказы, и большая часть его творческой карьеры ушла на создание частных домов, в проектах которых он подчеркивал открытое пространство и изобретательно использовал строительные материалы. Одно из самых известных построенных им сооружений - цилиндрическое здание музея Гугенхайма в Нью-Йорке (1959 г.)

Идеи Салливена и Райта, несмотря на различие их индивидуальностей, постепенно стали доминирующими в американской архитектуре. Некоторые из этих идей были подхвачены группой европейских архитекторов, которые эмигрировали в Соединенные Штаты перед второй мировой войной и впоследствии образовали еще одно влиятельное течение в архитектуре. Среди них были Людвиг Миз Ван дер Рое (1886-1969) и Уолтер Гропиус (1882-1969), оба в прошлом — директора знаменитой немецкой школы градостроительства «Баухаус». В их творчестве, получившем название интернационального стиля, подчеркивалась машинная технология, геометрические формы и материалы. Некоторые критики называли здания, построенные по их идеям, «стеклянными коробками», другие же считают эти сооружения памятниками корпоративной жизни Америки.

Совершенно иной подход к дизайну развивал Р. Бракминстер Фуллер (1895-1984). Для создания формы, которую Фуллер называл геодезическим куполом, он использовал математические принципы. В таком куполе структура крыши принимает на себя ее собственную тяжесть.

Среди ведущих архитекторов сегодняшнего дня — Филип Джонсон (р. 1906 г.), которого обычно относят к «пост-модернистам», и И. М. Пей (р. 1917 г.). Многие из молодых архитекторов отказались от сооружения стеклянных коробок. Один из лидеров этого движения — Майкл Грейвз (р. 1945 г.). Для его работ характерно богатство деталей и украшений.

ПРАЗДНИК ДЛЯ СЛУХА

В любом крупном городе Америки можно найти музыку на любой вкус. В концертных залах всей страны ежедневно можно послушать джаз, поп- и рок-оркестры, симфонические оркестры, оперную, камерную музыку, блюзы, народную музыку, музыку в стиле кантри или блю грасс и посмотреть музыкальные спектакли.

Как и в ситуации с графическим искусством, богатое музыкальное наследие Америки — также результат множества различных влияний. Самым сильным было взаимодействие — причем часто конфликтное — классических европейских традиций с жизненной силой региональных и национальных форм. Ведь многие из наиболее талантливых композиторов Америки использовали в своем творчестве народные формы.

Эдвард Макдоуэлл, самый изысканный серьезный американский композитор, чье творчество относится к рубежу веков, писал, что прежде чем Америка отыщет «сочинителя музыки, который будет созвучен ее гению», ей необходимы «главным образом, и со стороны публики, и со стороны сочинителя абсолютная свобода от тех уз, которые наложило на нас почти неограниченное преклонение перед европейской мыслью и европейскими предрассудками».

Первые американские поселенцы привезли с собой на новую родину и свою музыку — народные песни и танцы, псалмы, гимны, а также какую-то музыку для официальных церемоний. Среди всех этих видов музыки преобладала, конечно, религиозная. Мелодии гимнов передавались из поколения в поколение, в основном в устной форме, и во многом послужили основой для создания музыки американских колоний.

Честь быть первым национальным композитором Америки историки приписывают Фрэнсису Хопкинсону из Филадельфии (1737-1791), одному из лидеров американской революции и близкому другу Джорджа Вашингтона, первого американского Президента. Однако в области создания американского песенного жанра музыкальные критики считают революционной силой творчество Уильяма Биллингза (1746-1800). Композитор-самоучка, не устававший жаловаться на музыкальные правила, Биллингз писал мелодии, которые он называл неуловимыми. Эти мелодии считали неуклюжими и грубыми, но они были наполнены радостью, у них был заразительный ритм, и они легко запоминались.

Из всех форм популярного вокального и театрального музыкального искусства, которые появились в Америке в начале 19 века, ни одна не была такой популярной или такой типично американской, как менестрельские представления. В этих спектаклях, возникших в 20-х годах 19 столетия и просуществовавших вплоть до нашего века, белые актеры, загримировавшись, имитировали негритянское исполнение песен, баллад и танцев.

В этих спектаклях широко использовались самые различные мелодии — от фольклорных до оперных. Но созданная в них музыка передавала привкус американской жизни — быстрый темп, радость жизни, простонародная манера речи, шутки, анекдоты. В этих спектаклях были заложены основы современной чечетки, музыкальной комедии, коммерческой песни.

Представления менестрелей дали Америке Стивена Фостера (1826-1864), который считается первым великим композитором-песенником Америки. При отсутствии серьезной музыкальной подготовки Фостер обладал даром писать простые, но неотразимые песни, которые покоряли сердца американцев. Даже в наши дни едва ли не каждый американец помнит наизусть несколько песен Фостера.

Не менее популярной в конце 19 века была маршевая оркестровая музыка. Самым выдающимся композитором и дирижером был Джон Филип Суса (1854-1932), который вначале прославился как директор оркестра корпуса морских пехотинцев США. Его солнечные, полные патриотизма мелодии, такие как, например, «Звезды и полосы навечно» по-прежнему остаются излюбленными мелодиями, исполняемыми во время военных парадов, гражданских торжеств, фестивалей и прочих событий.

Однако большинство американских композиторов и исполнителей серьезной музыки на протяжении 19 столетия находились под влиянием европейских музыкантов и европейских музыкальных традиций. Среди серьезных американских композиторов этого периода выделяется Эдвард Макдоуэлл (1861-1908). Получив самое прекрасное музыкальное образование, какое только могла предложить Европа, Макдоуэлл прославился по обе стороны Атлантики как блестящий пианист и автор романтических произведений. Будучи ведущей фигурой в области музыкального образования, в 1896 году он возглавил первый музыкальный факультет в Колумбийском университете — одном из крупнейших университетов США.

Манера Макдоуэлла, в которой традиционный романтизм соединялся с новыми музыкальными формами, оказала сильнейшее влияние на следующее поколение американских композиторов, включая неоромантика Сэмюэла Барбера (1910-1981). В то время как Макдоуэлл пытался привлечь внимание публики к серьезной музыке, рэгтайм, являвший собой результат развития диксиленда и южной музыки «бэррелхаус», поднимал настроение публики в театрах и музыкальных гостинных по всей стране. Из негритянских мелодий первым обрел значительную популярность рэгтайм, представлявший собой в основном фортепианную музыку, построенную на почти непрерывных синкопах. Наиболее выдающимся композитором, писавшим в стиле рэгтайма был Скотт Джоплин (1868-1917); он сочинил две оперы в стиле рэгтайма и считал, что его музыка не уступает европейской классической музыке. Однако с точки зрения истории музыки рэгтайм, пожалуй, наиболее важен для нас из-за его связи с блюзом. А из блюзов возник джаз, пожалуй, самый великий и самый ценный вклад Америки в мировую музыкальную культуру.

Блюзы, берущие начало в африканских народных песнях и христианской религиозной музыке, представляют собой песни-жалобы с оттенком смиренности, часто — с юмором. Самыми великими из первых известных исполнителей часто были женщины, включая Гертруду «Ма» Рэйни (1886-1939) и Бесси Смит (1900-1937). Современные блюзы обычно исполняют небольшие оркестры, в которых соло на электрогитаре и на других инструментах бывают не менее яркими, чем певцы. К числу самых популярных современных музыкантов-исполнителей блюзов относятся Мадди Уотерс (1915-1984) и Б. Б. Кинг (р. 1925 г.).

Джаз возник, когда музыканты, играющие диксиленд и блюз, усовершенствовали свой исполнительский стиль. Одна из основных особенностей джаза — импровизация. В то время как основная гармоническая структура джазовой музыки обычно написана музыкантами, другие ее части создаются спонтанно, на фоне той музыки, которую играет остальная часть ансамбля.

К 1920 году джаз вышел за пределы Юга — негритянские музыканты появились в Чикаго и Нью-Йорке. Из первых джазовых исполнителей наибольшее воздействие на развитие джаза оказал трубач Луи Армстронг (1901-1977). Он родился в Новом Орлеане, одном из первых центров джаза, и стал первым популярным джазовым певцом. Армстронг ввел оригинальную манеру исполнения, когда вместо слов распеваются лишенные смысла слоги, наподобие инструментального соло. Другим крупным джазистом этого поколения был Дюк Эллингтон (1899-1974). Пианист, дирижер, композитор и аранжировщик, Эллингтон оказал серьезное влияние на развитие джазовой композиции и исполнение джаза.

Однако каждое новое поколение открывает свои собственные пути. В начале 40-х годов возник сложный музыкальный стиль под названием «бибоп», наиболее ярко представленный трубачем «Диззи» Гиллеспи (р. 1917 г.) и саксофонистом Чарли Паркером (1920-1955), которого многие считали самым лучшим джазовым импровизатором.

В начале 60-х годов 20 века джазовые музыканты, в числе которых был трубач Майлс Дэвис (р. 1926 г.) и саксофонист Джон Колтрейн (1926-1967), начали экспериментировать с самыми различными музыкальными заимствованиями. Более молодые джазовые музыканты стали включать в свою музыку ритмы рок-н-ролла. Позднее, в 70-х годах, многие известные джазовые музыканты экспериментировали с электроинструментами и создали синтез джаза и рока, который стали называть слиянием.

К 50-м годам джаз приобрел широкую известность как одно из важнейших культурных достояний Америки, он собирал громадные аудитории среди интеллигенции и студенческой среды. В наши дни джазовая музыка лежит в основном русле американской культуры развлечений, джазовые концерты ежегодно собирают многие тысячи зрителей.

Джаз оказал громадное влияние на всю американскую музыку. Наиболее явно это влияние проявляется в творчестве Джорджа Гершвина (1898-1937), которого многие считают самым крупным американским композитором нашего столетия. Автор множества популярных песен, Гершвин также создал серию музыкальных комедий для бродвейских театров. Его самые знаменитые произведения стали американской классикой. Ему первому удалось успешно совместить джаз с формами, заимствованными из европейских традиций. К этим произведениям относятся концерт «Рапсодия в блюзовых тонах» (1924 г.) и опера «Порги и Бесс» (1935 г.).

Мало кто из композиторов настолько идентифицировал свое творчество с американскими темпами и ритмами, как Аарон Копленд (р. 1900 г.). Его произведения олицетворяют стремление многих американских композиторов писать музыку для самых различных целей — для оркестров, для кино, радио, для записи, для учебных заведений. Некоторые из наиболее известных произведений Копленда были написаны для балета, например, сюита «Парнишка Билли» (1938 г.) или «Весна в Аппалачах» (1945 г.)

Начиная с 40-х годов американские композиторы стали развивать свое творчество в самых различных направлениях. Некоторые из них, те, кто более непосредственно черпал из традиционных направлений и массовой культуры, обрели известность благодаря музыке, которую они писали для мюзиклов. Беря свое начало в разных представлениях менестрелей и шуточных операх, американский мюзикл стал уникальной формой развлекательного искусства, в которой сочетались песня, танец, комедия и трагедия. Одним из самых удачных дуэтов композитора и либреттиста стал дуэт Ричарда Робертса и Оскара Хаммерстейна, авторов «Оклахомы» (1943 г.) и «Карусели» (1945 г.)

Другие американские композиторы экспериментировали с радикальной антитрадиционной музыкой, которую с трудом приняли любители симфонической музыки. Чарльза Айвза (1874-1954), который был мало известен при жизни, сейчас считают самым крупным из первых новаторов. По мнению многих критиков, выдающимся композитором своего поколения является Эллиот Картер (р. 1908 г.). Произведения Джона Кейджа (р. 1912 г.) интересны тем, что в них есть место для импровизационных решений; кроме того они предполагают сочетание живого исполнительского искусства с электронной техникой. В конце 70-х и в 80-х годах приобрел известность Филип Глас (р. 1937 г.), один из представителей минималистов, композиторов более молодого поколения. Типичной для его творчества является опера «Эйнштейн на берегу», далекая от традиционного оперного стиля.

Однако для большинства людей на земном шаре американская музыка — это рок-н-ролл. Впервые он прозвучал в 50-х годах, когда белые музыканты начали играть некую смесь из религиозных мелодий Юга, музыки в стиле кантри, негритянских ритмических мелодий и блюзов. Очень быстро рок-н-ролл превратился для американской молодежи как бы во второй язык. Первым «королем» рок-н-ролла стал Элвис Пресли (1935-1977). Молодые любители музыки окружили его имя мифологическим ореолом. Было продано более полумиллиарда его пластинок.

В период бурного увлечения народной музыкой в начале 60-х годов в Америке стал впервые известен исполнитель авторской песни Боб Дилан (р. 1944 г.). Его песни протеста стали гимном социальных перемен и оказали громадное влияние на других музыкантов и исполнителей. В 60-х же годах стала популярной музыка в стиле мотаун — неотразимые детройтские ритмы и блюзы. В числе ее звезд — Диана Росс (р. 1944 г.). И еще одним музыкальным течением юга, быстро завоевавшим популярность, была музыка в стиле кантри, успеху которой особенно способствовали музыканты из Нэшвила, такие как Уилли Нелсон (р. 1933 г.). А музыка в стиле блюграсс — смесь народных мелодий, кантри и блюзов — приобрела известность благодаря творчеству таких музыкантов, как Билл Монро (р. 1911 г.).

В 70-х и 80-х годах в звукозаписывающей индустрии экономические интересы стали преобладать над соображениями искусства, рок-н-ролл стал терять свою популярность, до этого росшую с головокружительной быстротой. Тем не менее и сейчас есть целый ряд выдающихся исполнителей, таких как гитарист и автор песен Брус Спрингстин (р. 1949 г.), певец и композитор Стиви Уандер (р. 1950 г.), певец Майкл Джексон (р. 1958 г.). В 1985 году миллионы американцев приняли участие в осуществлении проекта «Помощь для жизни», в рамках которого известные певцы и музыканты предприняли сбор средств, предназначенных для борьбы с голодом в Африке.

СОВРЕМЕННЫЙ ТАНЕЦ

Тесно связанным с развитием современной американской музыки является новый вид искусства — современный танец, появившийся в начале нашего столетия. Отказавшись от классической балетной техники, его создатели стремились найти способы выразить самые непосредственные и глубокие человеческие чувства в новых стилях, созвучных нашей эпохе.

Одной из первых выразительниц этих идей в Америке была Айседора Дункан (1878-1927). Придавая особое значение чистоте и пластичности движения, она стремилась создать танец, «который стал бы божественным выражением человеческого духа посредством движения человеческого тела».

Однако основное направление развития современного американского танца берет свое начало в работе другой известной танцовщицы и хореографа Рут Сент-Денис (1877-1968). Сент-Денис и ее партнер и муж Тед Шон черпали вдохновение в идеях восточной философии.

Труппа Сент-Денис воспитала танцоров, которые впоследствии создали две основные концепции современного танца. Дорис Хэмфри (1895-1958) искала вдохновение в темах, связанных с обществом и человеческими конфликтами. Марта Грэм (р. 1893 г.) основала в Нью-Йорке труппу, ставшую впоследствии, пожалуй, самой известной труппой современного танца. Она делала упор на выражение внутренних страстей, передаваемых при помощи дыхания. Многие из ее известных спектаклей, таких как «Весна в Аппалачах» (1945 г.), созданы в сотрудничестве с выдающимися американскими композиторами и художниками.

Молодые хореографы продолжали поиск новых направлений и новых методов. К ведущим хореографам можно отнести Мерса Каннингэма (р. 1919 г.), который в своем творчестве широко использует импровизацию. Элвин Эйли (р. 1921 г.) проложил новые пути в использовании элементов африканского танца и негритянской музыки. 70-80-е годы дали новое поколение хореографов, ищущих новые идеи. Пожалуй, наиболее эклектичным является творчество Туайлы Тарп (р. 1941 г.), которая создала такие разнообразные формы танца, как экспериментальный видеобалет, танцы для фильмов, для бродвейской сцены, а также танцы для своей собственной труппы и для других балетных трупп.

ВЗАИМОДЕЙСТВИЯ

В Соединенных Штатах существуют значительные связи между различными видами искусства. Такая связь отражается в деятельности колонии Макдоуэлла, где художники, композиторы и писатели творят вдали от повседневных забот. Колония, воплощающая мечту Макдоуэлла, была основана его вдовой.

В рассчитанных на массовую аудиторию проектах, культурных программах и мероприятиях современной Америки часто сочетаются драма, музыка, изобразительное искусство и литература. Иногда эти программы не ограничиваются различными видами искусства, широко обращаясь и к науке, и к технике. Потенциальными материалами и средствами для нового расцвета американского искусства считаются лазеры, голография, компьютерная графика, звукосинтез, стекловолоконная оптика.

Какие бы новые формы ни принимало искусство следующего поколения Америки, оно, как и искусство предыдущих поколений, остается и будет оставаться искусством всех тех, кто его творит, кто хочет ему принадлежать. Искусство во всех своих выражениях стало неотъемлемой частью жизни большинства американцев.